Con una programación diversa, una amplia respuesta del público y la participación de artistas nacionales e internacionales, culminó en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes la primera edición del festival De lo Sagrado Universal, un encuentro que, durante cinco días, invitó a reflexionar sobre la espiritualidad en el arte desde la música, la danza, el teatro, el performance y las artes visuales.

“El festival de lo Sagrado Universal, en su primera edición, cierra con un balance muy positivo. Tuvimos todas las salas y los teatros llenos aquí en Bogotá, en nuestro Centro Nacional de las Artes, pero también en los teatros y escenarios del circuito del Centro Histórico de Bogotá, y de otros lugares de la capital y del país”, destacó Xiomara Suescún, directora del Centro Nacional de las Artes. “El festival es el más grande que hemos realizado en los tres años de esta casa, gracias al Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes. Un festival para todas y todos los colombianos en el que lo sagrado estuvo en el centro de la conversación”, agregó.

La primera edición reunió artistas y agrupaciones de la India, Turquía, Tíbet, Francia, Alemania, Argelia, Benín, Cuba, Brasil, Chile, Estados Unidos y Colombia, con propuestas contemporáneas, tradicionales y clásicas. La programación incluyó exhibiciones, experiencias inmersivas, zonas de ofrendas, espacios contemplativos, talleres y conversatorios a las que asistieron alrededor de 16000 personas, tanto en las instalaciones del CNA como en los espacios y escenarios gestionados en otros lugares de Bogotá y en regiones por la Red Nacional de Teatros Públicos y Patrimoniales. A estas cifras se sumarán los asistentes a las exposiciones que seguirán vigentes los próximos meses, que harán que la cifra total de público para De lo Sagrado Universal llegue a 30 mil personas.

Desde la dirección artística, Sandro Romero Rey, asesor artístico del CNA, resaltó el sentido de la programación y la forma en que se desplegó en distintos espacios del país. “Acabamos de terminar la primera edición de este festival y todavía estoy profundamente emocionado porque consolidamos una programación durante cinco días muy precisa, muy elegante, muy profunda, donde queríamos reflexionar sobre la espiritualidad en el arte, y creo que lo hemos conseguido con creces”, afirmó.

Las experiencias de algunos asistentes mostraron el alcance de la propuesta en el público. Marcela Ávila, quien asistió a Songs of Bhakti, presentada también en el marco de la Red Nacional de Teatros Públicos y Patrimoniales, resaltó la manera en que el festival articula distintas artes escénicas alrededor de un lugar «sacro, espiritual, sensible y profundo». Para ella, la experiencia permitió una conexión entre miradas y pensamientos diversos, en un presente compartido que hizo «más intenso» y «más hermoso» el encuentro alrededor de la música. Por su parte, Gustavo Espinel, quien vio varias obras en el Teatro Colón, entre ellas Lo que el día le debe a la noche / What the day owes to the night, llegó al festival sin tenerlo en el radar y se encontró con propuestas que conectaban lo sagrado con el cuerpo, la naturaleza, la imagen y el sonido. Para él, esa relación entre tradición y contemporaneidad puede convertirse en un detonante creativo para nuevas búsquedas artísticas.

El festival ocupó múltiples escenarios de Bogotá: el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella (con sus salas Teatro Colón, Delia Zapata, Fanny Mikey, Teresita Gómez y Plazoleta CNA), el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, el Teatro Colsubsidio, la Iglesia San Ignacio, el Teatro La Candelaria, los museos Santa Clara, Colonial y Nacional, y el barrio San Bernardino en Bosa, donde la colonia robleña recibió la danza de los cucuruchos en su propio territorio. Fuera de la capital, la programación llegó a Barranquilla, Bucaramanga, Envigado, Pasto, Quibdó, Riohacha, Cartagena, Leticia y Valledupar, gracias a la articulación con la Red Nacional de Teatros Públicos y Patrimoniales. Uno de los momentos destacados de esta expansión regional fue la presentación de los Istanbul Whirling Dervishes en Bucaramanga (Teatro Santander), transmitida en vivo a través del Canal Tro, en la primera alianza entre el CNA y ese medio de comunicación. Próximamente, a través de Señal Colombia, el público podrá revivir otras presentaciones y charlas que fueron grabadas durante el festival.

El abrebocas del festival fue el tercer aniversario del CNA, celebrado con la visita de la Akram Khan Company, una de las compañías de danza más importantes del mundo. La obra Thikra: Night of Remembering, presentada en el Teatro Colón, cerró la gira de despedida mundial de la compañía por sus 25 años de trayectoria. En escena, el lenguaje coreográfico de Khan —profundamente influenciado por el Bharatanatyam— se entrelaza con una dimensión visual de gran potencia y una dramaturgia sensorial que desplaza la obra hacia lo ritual. Allí, la memoria no se organiza como relato, sino como fragmento, resonancia y gesto compartido. Thikra se inscribió como antesala de De lo Sagrado Universal, inaugurando el diálogo entre lo ritual, la memoria y lo sagrado en el arte contemporáneo.

Colombia da la bienvenida a un nuevo festival del 4 al 8 de junio de 2026, De lo Sagrado Universal. Cinco días de programación, 27 funciones, ocho compañías internacionales, 19 artistas y compañías nacionales y actividades en doce ciudades del país. Una iniciativa del Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes que reúne danza, teatro, performance, música, artes visuales, experiencias inmersivas en torno a una pregunta compartida: ¿qué nos vincula, como seres vivos, con algo más grande que nosotros mismos?

El festival presenta a Álvaro Restrepo – Athanor Danza / Compañía Cuerpo de Indias – El Colegio del Cuerpo (Cartagena), Celis Family Gospel Choir (San Andrés), Colectivo Rampira (Tumaco), Compagnie Multicorps (Benín/Francia), Compañía Hervé Koubi (Francia), Coro Nacional de Colombia, Corporación Cultural Jayeechi (La Guajira), David Felipe Escobar (Bogotá), Ensamble Paleofuturista (pueblos indígenas Kichwa, Wayuu, Kamëntšá, Embera Chamí y Arhuaco de Colombia), Fundación Proyecto Nómade Teatro (Pasto), Heiner Goebbels (Alemania), Hombre de Barro (Bogotá), Istanbul Whirling Dervishes (Turquía), José Escobedo (Chile) y María Mulata (Colombia), Kandombeo y Color (Nariño/Bogotá), Kijana (Bogotá), María Teresa Hincapié (Armenia), Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, Pauline Oliveros Foundation / Ximena Alarcón (Estados Unidos/Colombia), Priscilla Telmon & Vincent Moon (Francia/Brasil), Pueblo Guna (Resguardo Indígena Gunadule de Arquía), Rumba All Stars (Cuba), Teatro La Candelaria (Bogotá) y a los músicos Vasundhara Das (India).

De lo Sagrado Universal no convoca desde un credo ni desde una tradición única. Lo sagrado, aquí, es una forma de nombrar lo que la vida tiene de profundo, de compartido: presente en el cuerpo que danza, en la voz que canta, en la imagen que revela. El festival invita prácticas artísticas que, desde lenguajes y tradiciones espirituales diversas, exploran formas de relación profunda entre el cuerpo, la comunidad, el territorio y la experiencia sensible. “Juntos recorreremos desde las músicas de los pueblos originarios de la Amazonia hasta el gospel de San Andrés; desde el performance hasta la danza contemporánea franco-argelina y las tradiciones de raíz africana. Teatro, performance, música, artes visuales y experiencias inmersivas que nos acercan a lo que somos y a lo que compartimos”, dice Yannai Kadamani Fonrodona, Ministra de las Culturas, las Artes y los Saberes.

La programación reúne más de veinte propuestas, 23 de estas con entrada libre para el público. Conciertos, piezas de danza, teatro, performances, instalaciones inmersivas, exposiciones de artes visuales y espacios de escucha. Las obras dialogan con tradiciones diversas —el bhakti hindustaní, los cultos afrobrasileños, la raíz de los Derviches, las tradiciones de Argelia y de Benín, la cosmovisión Wayuu, los saberes del Pacífico colombiano, las músicas de los pueblos originarios de América Latina— configurando un tejido plural donde distintas formas de entender el mundo conviven sin borrarse, y donde la diferencia es condición del encuentro.

El Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella (CNA) del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes celebra en 2026 tres años desde su apertura en marzo de 2023, un periodo en el que la institución se ha consolidado como un referente sin precedente en la gestión cultural pública de Colombia y América Latina, con cifras que documentan su alcance artístico, social y económico.

El Teatro Colón en el Centro Nacional de las Artes recibirá a Akram Khan Company, que presentará en Colombia Thikra: Night of Remembering, su obra de despedida y última producción en su gira internacional, que concluirá en 2027. Esta visita representa una oportunidad histórica e irrepetible para el público colombiano: ser testigo del cierre de una de las eras más brillantes de la danza contemporánea mundial.

Thikra: Night of Remembering se inscribe como antesala De lo Sagrado Universal, el festival que en junio convocará artistas y colectivos de múltiples geografías y tradiciones. En ese contexto, la llegada de la Akram Khan Company al Teatro Colón adquiere una dimensión particular: no solo como evento escénico, sino como parte de una conversación más amplia sobre lo ritual, la memoria y lo sagrado en el arte contemporáneo.

El Teatro Colón recibirá así una de las últimas obras de la compañía en su actual circulación internacional, cuyo cierre está proyectado hacia 2027. La visita representa una oportunidad excepcional para el público colombiano: presenciar el tramo final de una de las trayectorias más influyentes de la danza contemporánea global.

La obra surge de la colaboración entre Akram Khan y Manal AlDowayan, quien representó a Arabia Saudita en la Bienal de Venecia 2024. El resultado es una pieza que indaga en la memoria como archivo vivo, atravesando capas de historia, identidad y persistencia. Más que una narración lineal, Thikra se construye como una experiencia escénica en la que el cuerpo, la imagen y el sonido operan como vectores de evocación.

En escena, el lenguaje coreográfico de Khan —profundamente influenciado por el Bharatanatyam— se entrelaza con una dimensión visual de gran potencia y una dramaturgia sensorial que desplaza la obra hacia lo ritual. Allí, la memoria no se organiza como relato, sino como fragmento, resonancia y gesto compartido.

El 9 de abril, Día Nacional de la Memoria y la Solidaridad con las Víctimas del Conflicto Armado, el Centro Nacional de las Artes dio inicio a una programación mensual de teatro, exposiciones, acciones colectivas y conversaciones que se aproximan a la memoria desde distintos lenguajes artísticos. Una invitación a compartir, escuchar y pensar la paz como algo que se construye entre todos y todas.

En esta programación está Labio de liebre, de Teatro Petra, escrita y dirigida por Fabio Rubiano, una de las obras más impactantes del teatro colombiano contemporáneo. La pieza sitúa al espectador frente a dos de las fuerzas más poderosas de la condición humana —la venganza y el perdón— a través de la historia de Salvo Castello, un hombre de guerra al que llegan los fantasmas de las personas que asesinó para pedirle, más allá de cualquier palabra, que recuerde sus nombres. La obra se presentará hasta el domingo 12 de abril, con funciones de miércoles a sábado a las 7:30 p.m. y el domingo 12 a las 3:00 p.m., en el Teatro Colón. (Boletas disponibles en Tuboleta).

El 1 de abril, el Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, presenta Aquí hay un pueblo: Delia Zapata y el mito de Rambao, una de las obras centrales del centenario de Delia Zapata Olivella y parte de la programación del Festival Internacional de Artes Vivas.

La obra propone una reflexión sobre el lugar de los cuerpos negros en escena, entendidos como portadores de historia y también como generadores de conocimiento.

Basada en un relato oral de los años setenta y en diálogo con el pensamiento de Delia Zapata Olivella, la puesta en escena reimagina su vigencia en el presente y evidencia la dimensión política de su obra, también desde el lenguaje coreográfico.

Inspirada en el mito de Rambao —figura clave en sus reflexiones sobre poder, comunidad y justicia—, la obra plantea una lectura contemporánea sobre las formas en que se construyen los liderazgos y se toman decisiones colectivas. Rambao aparece como una figura atravesada por la responsabilidad de actuar en nombre de otros.

Manuel Viveros, actor y director de la obra, señala que “Aquí hay un pueblo es también una reflexión sobre el valor de los cuerpos negros en escena, no solo como portadores de relatos, sino como generadores de conocimiento. El aporte de Delia radica en haber abierto espacios para que esa presencia fuera reconocida con legitimidad y agencia”.

En escena, Rambao, un profesor que decide buscar justicia más allá de los límites de su comunidad, desencadena una serie de consecuencias que transforman el tejido colectivo. A través de un lenguaje que entrelaza narración, ritual y música en vivo, la obra articula mito y presente para pensar cómo la violencia, el hambre y la promesa de progreso inciden en la vida en común.
Más que una historia individual, la obra propone una reflexión sobre nación, poder y memoria en diálogo con el legado de Delia Zapata Olivella.