Colombia da la bienvenida a un nuevo festival del 4 al 8 de junio de 2026, De lo Sagrado Universal. Cinco días de programación, 27 funciones, ocho compañías internacionales, 19 artistas y compañías nacionales y actividades en doce ciudades del país. Una iniciativa del Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes que reúne danza, teatro, performance, música, artes visuales, experiencias inmersivas en torno a una pregunta compartida: ¿qué nos vincula, como seres vivos, con algo más grande que nosotros mismos?

El festival presenta a Álvaro Restrepo – Athanor Danza / Compañía Cuerpo de Indias – El Colegio del Cuerpo (Cartagena), Celis Family Gospel Choir (San Andrés), Colectivo Rampira (Tumaco), Compagnie Multicorps (Benín/Francia), Compañía Hervé Koubi (Francia), Coro Nacional de Colombia, Corporación Cultural Jayeechi (La Guajira), David Felipe Escobar (Bogotá), Ensamble Paleofuturista (pueblos indígenas Kichwa, Wayuu, Kamëntšá, Embera Chamí y Arhuaco de Colombia), Fundación Proyecto Nómade Teatro (Pasto), Heiner Goebbels (Alemania), Hombre de Barro (Bogotá), Istanbul Whirling Dervishes (Turquía), José Escobedo (Chile) y María Mulata (Colombia), Kandombeo y Color (Nariño/Bogotá), Kijana (Bogotá), María Teresa Hincapié (Armenia), Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, Pauline Oliveros Foundation / Ximena Alarcón (Estados Unidos/Colombia), Priscilla Telmon & Vincent Moon (Francia/Brasil), Pueblo Guna (Resguardo Indígena Gunadule de Arquía), Rumba All Stars (Cuba), Teatro La Candelaria (Bogotá) y a los músicos Vasundhara Das (India).

De lo Sagrado Universal no convoca desde un credo ni desde una tradición única. Lo sagrado, aquí, es una forma de nombrar lo que la vida tiene de profundo, de compartido: presente en el cuerpo que danza, en la voz que canta, en la imagen que revela. El festival invita prácticas artísticas que, desde lenguajes y tradiciones espirituales diversas, exploran formas de relación profunda entre el cuerpo, la comunidad, el territorio y la experiencia sensible. “Juntos recorreremos desde las músicas de los pueblos originarios de la Amazonia hasta el gospel de San Andrés; desde el performance hasta la danza contemporánea franco-argelina y las tradiciones de raíz africana. Teatro, performance, música, artes visuales y experiencias inmersivas que nos acercan a lo que somos y a lo que compartimos”, dice Yannai Kadamani Fonrodona, Ministra de las Culturas, las Artes y los Saberes.

La programación reúne más de veinte propuestas, 23 de estas con entrada libre para el público. Conciertos, piezas de danza, teatro, performances, instalaciones inmersivas, exposiciones de artes visuales y espacios de escucha. Las obras dialogan con tradiciones diversas —el bhakti hindustaní, los cultos afrobrasileños, la raíz de los Derviches, las tradiciones de Argelia y de Benín, la cosmovisión Wayuu, los saberes del Pacífico colombiano, las músicas de los pueblos originarios de América Latina— configurando un tejido plural donde distintas formas de entender el mundo conviven sin borrarse, y donde la diferencia es condición del encuentro.

El Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella (CNA) del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes celebra en 2026 tres años desde su apertura en marzo de 2023, un periodo en el que la institución se ha consolidado como un referente sin precedente en la gestión cultural pública de Colombia y América Latina, con cifras que documentan su alcance artístico, social y económico.

El Teatro Colón en el Centro Nacional de las Artes recibirá a Akram Khan Company, que presentará en Colombia Thikra: Night of Remembering, su obra de despedida y última producción en su gira internacional, que concluirá en 2027. Esta visita representa una oportunidad histórica e irrepetible para el público colombiano: ser testigo del cierre de una de las eras más brillantes de la danza contemporánea mundial.

Thikra: Night of Remembering se inscribe como antesala De lo Sagrado Universal, el festival que en junio convocará artistas y colectivos de múltiples geografías y tradiciones. En ese contexto, la llegada de la Akram Khan Company al Teatro Colón adquiere una dimensión particular: no solo como evento escénico, sino como parte de una conversación más amplia sobre lo ritual, la memoria y lo sagrado en el arte contemporáneo.

El Teatro Colón recibirá así una de las últimas obras de la compañía en su actual circulación internacional, cuyo cierre está proyectado hacia 2027. La visita representa una oportunidad excepcional para el público colombiano: presenciar el tramo final de una de las trayectorias más influyentes de la danza contemporánea global.

La obra surge de la colaboración entre Akram Khan y Manal AlDowayan, quien representó a Arabia Saudita en la Bienal de Venecia 2024. El resultado es una pieza que indaga en la memoria como archivo vivo, atravesando capas de historia, identidad y persistencia. Más que una narración lineal, Thikra se construye como una experiencia escénica en la que el cuerpo, la imagen y el sonido operan como vectores de evocación.

En escena, el lenguaje coreográfico de Khan —profundamente influenciado por el Bharatanatyam— se entrelaza con una dimensión visual de gran potencia y una dramaturgia sensorial que desplaza la obra hacia lo ritual. Allí, la memoria no se organiza como relato, sino como fragmento, resonancia y gesto compartido.

El 9 de abril, Día Nacional de la Memoria y la Solidaridad con las Víctimas del Conflicto Armado, el Centro Nacional de las Artes dio inicio a una programación mensual de teatro, exposiciones, acciones colectivas y conversaciones que se aproximan a la memoria desde distintos lenguajes artísticos. Una invitación a compartir, escuchar y pensar la paz como algo que se construye entre todos y todas.

En esta programación está Labio de liebre, de Teatro Petra, escrita y dirigida por Fabio Rubiano, una de las obras más impactantes del teatro colombiano contemporáneo. La pieza sitúa al espectador frente a dos de las fuerzas más poderosas de la condición humana —la venganza y el perdón— a través de la historia de Salvo Castello, un hombre de guerra al que llegan los fantasmas de las personas que asesinó para pedirle, más allá de cualquier palabra, que recuerde sus nombres. La obra se presentará hasta el domingo 12 de abril, con funciones de miércoles a sábado a las 7:30 p.m. y el domingo 12 a las 3:00 p.m., en el Teatro Colón. (Boletas disponibles en Tuboleta).

El 1 de abril, el Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, presenta Aquí hay un pueblo: Delia Zapata y el mito de Rambao, una de las obras centrales del centenario de Delia Zapata Olivella y parte de la programación del Festival Internacional de Artes Vivas.

La obra propone una reflexión sobre el lugar de los cuerpos negros en escena, entendidos como portadores de historia y también como generadores de conocimiento.

Basada en un relato oral de los años setenta y en diálogo con el pensamiento de Delia Zapata Olivella, la puesta en escena reimagina su vigencia en el presente y evidencia la dimensión política de su obra, también desde el lenguaje coreográfico.

Inspirada en el mito de Rambao —figura clave en sus reflexiones sobre poder, comunidad y justicia—, la obra plantea una lectura contemporánea sobre las formas en que se construyen los liderazgos y se toman decisiones colectivas. Rambao aparece como una figura atravesada por la responsabilidad de actuar en nombre de otros.

Manuel Viveros, actor y director de la obra, señala que “Aquí hay un pueblo es también una reflexión sobre el valor de los cuerpos negros en escena, no solo como portadores de relatos, sino como generadores de conocimiento. El aporte de Delia radica en haber abierto espacios para que esa presencia fuera reconocida con legitimidad y agencia”.

En escena, Rambao, un profesor que decide buscar justicia más allá de los límites de su comunidad, desencadena una serie de consecuencias que transforman el tejido colectivo. A través de un lenguaje que entrelaza narración, ritual y música en vivo, la obra articula mito y presente para pensar cómo la violencia, el hambre y la promesa de progreso inciden en la vida en común.
Más que una historia individual, la obra propone una reflexión sobre nación, poder y memoria en diálogo con el legado de Delia Zapata Olivella.

Yerma, una reinvención contemporánea y salvaje de la tragedia de Federico García Lorca, producida por Tinderbox Theatre Company desde Irlanda del Norte, llega en marzo al Centro Nacional de las Artes. Ambientada en un hotel familiar en las montañas de Cooley durante un bautizo caótico, la obra pone en el centro a una mujer consumida por un deseo visceral de maternidad y expone, a través de una narrativa surrealista y explosiva, las presiones sociales que recaen sobre el cuerpo y los deseos femeninos.

Tinderbox Theatre Company, con más de 37 años de trayectoria, es reconocida por su enfoque innovador y por su compromiso con la imaginación como motor de cambio social. “Nuestra versión es una adaptación irlandesa muy particular del clásico español. Culturalmente hay similitudes sorprendentes: compartimos una crianza católica, familias numerosas y tradiciones fuertes que nos resultan muy cercanas. Como Tinderbox, estamos emocionados de llevar esta producción a Colombia. Será nuestra primera vez allí y nos parece especialmente significativo compartir esta reinterpretación irlandesa con el público colombiano”, afirma el director Patrick J. O’Reilly.

La presentación de Yerma se inscribe en las conmemoraciones por los 90 años de la muerte de Federico García Lorca (1898–1936), figura clave de la Generación del 27 y autor de tragedias rurales que exploran la pasión, el honor y la represión social. Además, resulta especialmente pertinente en marzo, Mes de la Mujer, al indagar en las decisiones de una protagonista limitadas por mandatos patriarcales que ligan el valor femenino a la maternidad, revelando la violencia de un sistema que niega la autonomía y condena a quienes se apartan de sus normas.

También, en el marco de esta presentación, el CNA proyectará el documental Witches, dirigido por Elizabeth Sankey en Londres, que forma parte de la muestra “Reclaim, Reframe, Rejoice”, curada por Reclaim the Frame, organización dedicada a promover la justicia de género y las perspectivas marginadas en el cine. Basado en la experiencia personal de la directora con la depresión posparto y la ansiedad, el filme combina historias culturales y cinematográficas para trazar un vínculo entre la maternidad, la salud mental y la figura arquetípica de la bruja, proponiendo una reflexión profunda sobre estos temas.

Estas actividades forman parte de las celebraciones de los 200 años de relaciones diplomáticas entre Colombia y el Reino Unido, establecidas en 1825 y fortalecidas con intercambios culturales este 2026.

Una obra teatral protagonizada por Vicky Hernández y conversatorios con Heidi Abderhalden Cortés, Andrea Bonilla Ospina, Teresita Gómez, Nidia Góngora, María Adelaida Palacio Duque, Bertha Quintero, Ana Veydó y Patricia Ariza Flórez protagonizarán la conmemoración del 8M en el Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.

Se trata de una programación especial, cuyo eje será un homenaje en vida a maestras provenientes de diferentes disciplinas artísticas, a través de conversatorios en los que el público podrá acercarse a sus historias de vida, sus búsquedas estéticas y sus aportes a la construcción de la memoria cultural; acompañado de teatro y de un concierto del grupo Anónimas & Resilientes, voces del bullerengue, proveniente del Caribe.

“En marzo queremos abrir un espacio para el encuentro. Invitarles a conocer en persona a estas mujeres que han sido fundamentales en la construcción del campo artístico y cultural que hoy nos define como país. Creadoras que, aunque en algunos casos no han ocupado el lugar visible que merecen, han sido decisivas en la configuración de nuestra identidad colectiva, se han hecho a pulso un lugar en la historia y han abierto camino para otras mujeres”, dice Xiomara Suescún, directora del Centro Nacional de las Artes.

El homenaje a la actriz Vicky Hernández será con tres funciones de ‘La escena invertida’, estrenada el año pasado y que la llevó a ganarse el Premio Bravo como Mejor Actriz de Teatro. Esta obra es un drama íntimo sobre la relación madre e hijo, en la que ella y su hijo (interpretado por Johan Velandia) se debaten entre lo que sienten y lo que expresan. Un ejercicio de creación colectiva con el director Jorge Zabaraín que da cuenta del talento creativo e interpretativo de este ícono de la actuación colombiana.

Esta pieza se integra al eje central del 8M, ocho conversatorios durante marzo que empezarán el 3 de marzo con el de Patricia Ariza, actriz, dramaturga, poeta y directora, fundadora del Teatro La Candelaria, seguido del de Heidi Abderhalden Cortés, artista y codirectora del colectivo Mapa Teatro, un ícono de las artes vivas en Colombia, que ha trasgredido fronteras geográficas, lingüísticas y artísticas, el miércoles 4 de marzo.

A la semana siguiente, entre el 10 y el 14 de marzo, seguirán charlas con la coreógrafa afrocolombiana Andrea Bonilla, cuyo trabajo se ha caracterizado por pensar y crear desde los cuerpos como territorio de memoria, resistencia y posibilidad; la dramaturga, directora, actriz y docente colombiana María Adelaida Palacio Duque, cuya obra ha sido publicada por distintas editoriales y presentada en más de 30 festivales de teatro en América Latina y Europa; y la cantora, investigadora y maestra de la música tradicional del Pacífico colombiano, Nidia Góngora, quien ha llevado los cantos ancestrales afrocolombianos a escenarios nacionales e internacionales.

El 17 de marzo la invitada será la antropóloga y percusionista conguera de orquestas femeninas de salsa Bertha Quintero, cocreadora de Rock al Parque y un personaje esencial en la construcción de una política cultural que transformó la escena musical de la Bogotá y democratizó el acceso a la cultura. Al día siguiente, desde los Llanos Orientales llegará Ana Veydó, líder de la agrupación Cimarrón, que ha llevado el joropo por los cinco continentes y ha liderado cambios e innovaciones del rol de la mujer en la música llanera y de la puesta en escena de la música de su región.

El cierre del 8M será en la fecha de aniversario del Centro Nacional de las Artes, con un conversatorio que tiene como invitada a Teresita Gómez, pianista emblemática y embajadora de la música colombiana en el mundo, quien charlará con la directora Xiomara Suescún en la sala de este centro cultural que fue bautizada el año pasado con el nombre de esta artista.

Además de los conversatorios y la obra teatral, para el 8M también se realizarán talleres de producción técnica y construcción de escenografía, en la Sala Fanny Mikey el 13 de marzo y en la Estación de la Sabana el 14 de marzo, correspondientemente, dirigidos a mujeres estudiantes, gestoras culturales, productoras y técnicas interesadas en desarrollar habilidades en planificación coordinación técnica en las artes escénicas.

La música en esta conmemoración vendrá del Caribe con una presentación el domingo 15 de marzo de Anónimas & Resilientes, voces del bullerengue, un colectivo de cantadoras mayores quienes han preservado el legado matriarcal de esta música en el Caribe cimarrón. Con dos álbumes nominados al Grammy Latino 2019 y 2025, el grupo ha reunido una docena de cantadoras con edades entre los 59 y los 106 años de edad.

Los conversatorios, el concierto y los talleres serán de entrada libre para el público, con inscripción previa, y la boletería de ‘La escena invertida’ podrá encontrarse en Tuboleta.