El Teatro Colón en el Centro Nacional de las Artes recibirá a Akram Khan Company, que presentará en Colombia Thikra: Night of Remembering, su obra de despedida y última producción en su gira internacional, que concluirá en 2027. Esta visita representa una oportunidad histórica e irrepetible para el público colombiano: ser testigo del cierre de una de las eras más brillantes de la danza contemporánea mundial.

Thikra: Night of Remembering se inscribe como antesala De lo Sagrado Universal, el festival que en junio convocará artistas y colectivos de múltiples geografías y tradiciones. En ese contexto, la llegada de la Akram Khan Company al Teatro Colón adquiere una dimensión particular: no solo como evento escénico, sino como parte de una conversación más amplia sobre lo ritual, la memoria y lo sagrado en el arte contemporáneo.

El Teatro Colón recibirá así una de las últimas obras de la compañía en su actual circulación internacional, cuyo cierre está proyectado hacia 2027. La visita representa una oportunidad excepcional para el público colombiano: presenciar el tramo final de una de las trayectorias más influyentes de la danza contemporánea global.

La obra surge de la colaboración entre Akram Khan y Manal AlDowayan, quien representó a Arabia Saudita en la Bienal de Venecia 2024. El resultado es una pieza que indaga en la memoria como archivo vivo, atravesando capas de historia, identidad y persistencia. Más que una narración lineal, Thikra se construye como una experiencia escénica en la que el cuerpo, la imagen y el sonido operan como vectores de evocación.

En escena, el lenguaje coreográfico de Khan —profundamente influenciado por el Bharatanatyam— se entrelaza con una dimensión visual de gran potencia y una dramaturgia sensorial que desplaza la obra hacia lo ritual. Allí, la memoria no se organiza como relato, sino como fragmento, resonancia y gesto compartido.

A lo largo de su carrera, Akram Khan ha desarrollado un vocabulario singular que cruza tradición y contemporaneidad. Su trabajo ha dialogado con artistas y compañías de múltiples disciplinas, entre ellos el Ballet Nacional de China, Juliette Binoche, Sylvie Guillem, Sidi Larbi Cherkaoui, Israel Galván, Kylie Minogue y Florence and the Machine, así como con artistas visuales como Anish Kapoor y Antony Gormley, y compositores como Steve Reich y Nitin Sawhney. Su obra fue también parte de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio Laurence Olivier, el Premio Bessie (New York Dance and Performance Award), el Premio ISPA al Artista Distinguido, el Premio Fred and Adele Astaire, el Herald Archangel del Festival Internacional de Edimburgo, el South Bank Sky Arts Award y múltiples premios de la crítica especializada.
El equipo creativo de Thikra reúne a destacados profesionales de las artes escénicas internacionales. El diseño de sonido está a cargo de Gareth Fry, reconocido internacionalmente y ganador de múltiples premios Olivier y Tony, cuya práctica ha ampliado las posibilidades de la experiencia sonora en escena.

La llegada de la Akram Khan Company se integra a la programación del tercer aniversario del Centro Nacional de las Artes y abre el camino hacia De lo Sagrado Universal, festival que se realizará del 4 al 8 de junio. Esta iniciativa del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes desplegará más de 30 actividades —entre funciones, exhibiciones, experiencias inmersivas, talleres y espacios de pensamiento— que invitan a explorar lo sagrado como una experiencia sensible y contemporánea a través del arte.

El 9 de abril, Día Nacional de la Memoria y la Solidaridad con las Víctimas del Conflicto Armado, el Centro Nacional de las Artes dio inicio a una programación mensual de teatro, exposiciones, acciones colectivas y conversaciones que se aproximan a la memoria desde distintos lenguajes artísticos. Una invitación a compartir, escuchar y pensar la paz como algo que se construye entre todos y todas.

En esta programación está Labio de liebre, de Teatro Petra, escrita y dirigida por Fabio Rubiano, una de las obras más impactantes del teatro colombiano contemporáneo. La pieza sitúa al espectador frente a dos de las fuerzas más poderosas de la condición humana —la venganza y el perdón— a través de la historia de Salvo Castello, un hombre de guerra al que llegan los fantasmas de las personas que asesinó para pedirle, más allá de cualquier palabra, que recuerde sus nombres. La obra se presentará hasta el domingo 12 de abril, con funciones de miércoles a sábado a las 7:30 p.m. y el domingo 12 a las 3:00 p.m., en el Teatro Colón. (Boletas disponibles en Tuboleta).

El 1 de abril, el Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, presenta Aquí hay un pueblo: Delia Zapata y el mito de Rambao, una de las obras centrales del centenario de Delia Zapata Olivella y parte de la programación del Festival Internacional de Artes Vivas.

La obra propone una reflexión sobre el lugar de los cuerpos negros en escena, entendidos como portadores de historia y también como generadores de conocimiento.

Basada en un relato oral de los años setenta y en diálogo con el pensamiento de Delia Zapata Olivella, la puesta en escena reimagina su vigencia en el presente y evidencia la dimensión política de su obra, también desde el lenguaje coreográfico.

Inspirada en el mito de Rambao —figura clave en sus reflexiones sobre poder, comunidad y justicia—, la obra plantea una lectura contemporánea sobre las formas en que se construyen los liderazgos y se toman decisiones colectivas. Rambao aparece como una figura atravesada por la responsabilidad de actuar en nombre de otros.

Manuel Viveros, actor y director de la obra, señala que “Aquí hay un pueblo es también una reflexión sobre el valor de los cuerpos negros en escena, no solo como portadores de relatos, sino como generadores de conocimiento. El aporte de Delia radica en haber abierto espacios para que esa presencia fuera reconocida con legitimidad y agencia”.

En escena, Rambao, un profesor que decide buscar justicia más allá de los límites de su comunidad, desencadena una serie de consecuencias que transforman el tejido colectivo. A través de un lenguaje que entrelaza narración, ritual y música en vivo, la obra articula mito y presente para pensar cómo la violencia, el hambre y la promesa de progreso inciden en la vida en común.
Más que una historia individual, la obra propone una reflexión sobre nación, poder y memoria en diálogo con el legado de Delia Zapata Olivella.

Yerma, una reinvención contemporánea y salvaje de la tragedia de Federico García Lorca, producida por Tinderbox Theatre Company desde Irlanda del Norte, llega en marzo al Centro Nacional de las Artes. Ambientada en un hotel familiar en las montañas de Cooley durante un bautizo caótico, la obra pone en el centro a una mujer consumida por un deseo visceral de maternidad y expone, a través de una narrativa surrealista y explosiva, las presiones sociales que recaen sobre el cuerpo y los deseos femeninos.

Tinderbox Theatre Company, con más de 37 años de trayectoria, es reconocida por su enfoque innovador y por su compromiso con la imaginación como motor de cambio social. “Nuestra versión es una adaptación irlandesa muy particular del clásico español. Culturalmente hay similitudes sorprendentes: compartimos una crianza católica, familias numerosas y tradiciones fuertes que nos resultan muy cercanas. Como Tinderbox, estamos emocionados de llevar esta producción a Colombia. Será nuestra primera vez allí y nos parece especialmente significativo compartir esta reinterpretación irlandesa con el público colombiano”, afirma el director Patrick J. O’Reilly.

La presentación de Yerma se inscribe en las conmemoraciones por los 90 años de la muerte de Federico García Lorca (1898–1936), figura clave de la Generación del 27 y autor de tragedias rurales que exploran la pasión, el honor y la represión social. Además, resulta especialmente pertinente en marzo, Mes de la Mujer, al indagar en las decisiones de una protagonista limitadas por mandatos patriarcales que ligan el valor femenino a la maternidad, revelando la violencia de un sistema que niega la autonomía y condena a quienes se apartan de sus normas.

También, en el marco de esta presentación, el CNA proyectará el documental Witches, dirigido por Elizabeth Sankey en Londres, que forma parte de la muestra “Reclaim, Reframe, Rejoice”, curada por Reclaim the Frame, organización dedicada a promover la justicia de género y las perspectivas marginadas en el cine. Basado en la experiencia personal de la directora con la depresión posparto y la ansiedad, el filme combina historias culturales y cinematográficas para trazar un vínculo entre la maternidad, la salud mental y la figura arquetípica de la bruja, proponiendo una reflexión profunda sobre estos temas.

Estas actividades forman parte de las celebraciones de los 200 años de relaciones diplomáticas entre Colombia y el Reino Unido, establecidas en 1825 y fortalecidas con intercambios culturales este 2026.

Una obra teatral protagonizada por Vicky Hernández y conversatorios con Heidi Abderhalden Cortés, Andrea Bonilla Ospina, Teresita Gómez, Nidia Góngora, María Adelaida Palacio Duque, Bertha Quintero, Ana Veydó y Patricia Ariza Flórez protagonizarán la conmemoración del 8M en el Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.

Se trata de una programación especial, cuyo eje será un homenaje en vida a maestras provenientes de diferentes disciplinas artísticas, a través de conversatorios en los que el público podrá acercarse a sus historias de vida, sus búsquedas estéticas y sus aportes a la construcción de la memoria cultural; acompañado de teatro y de un concierto del grupo Anónimas & Resilientes, voces del bullerengue, proveniente del Caribe.

“En marzo queremos abrir un espacio para el encuentro. Invitarles a conocer en persona a estas mujeres que han sido fundamentales en la construcción del campo artístico y cultural que hoy nos define como país. Creadoras que, aunque en algunos casos no han ocupado el lugar visible que merecen, han sido decisivas en la configuración de nuestra identidad colectiva, se han hecho a pulso un lugar en la historia y han abierto camino para otras mujeres”, dice Xiomara Suescún, directora del Centro Nacional de las Artes.

El homenaje a la actriz Vicky Hernández será con tres funciones de ‘La escena invertida’, estrenada el año pasado y que la llevó a ganarse el Premio Bravo como Mejor Actriz de Teatro. Esta obra es un drama íntimo sobre la relación madre e hijo, en la que ella y su hijo (interpretado por Johan Velandia) se debaten entre lo que sienten y lo que expresan. Un ejercicio de creación colectiva con el director Jorge Zabaraín que da cuenta del talento creativo e interpretativo de este ícono de la actuación colombiana.

Esta pieza se integra al eje central del 8M, ocho conversatorios durante marzo que empezarán el 3 de marzo con el de Patricia Ariza, actriz, dramaturga, poeta y directora, fundadora del Teatro La Candelaria, seguido del de Heidi Abderhalden Cortés, artista y codirectora del colectivo Mapa Teatro, un ícono de las artes vivas en Colombia, que ha trasgredido fronteras geográficas, lingüísticas y artísticas, el miércoles 4 de marzo.

A la semana siguiente, entre el 10 y el 14 de marzo, seguirán charlas con la coreógrafa afrocolombiana Andrea Bonilla, cuyo trabajo se ha caracterizado por pensar y crear desde los cuerpos como territorio de memoria, resistencia y posibilidad; la dramaturga, directora, actriz y docente colombiana María Adelaida Palacio Duque, cuya obra ha sido publicada por distintas editoriales y presentada en más de 30 festivales de teatro en América Latina y Europa; y la cantora, investigadora y maestra de la música tradicional del Pacífico colombiano, Nidia Góngora, quien ha llevado los cantos ancestrales afrocolombianos a escenarios nacionales e internacionales.

El 17 de marzo la invitada será la antropóloga y percusionista conguera de orquestas femeninas de salsa Bertha Quintero, cocreadora de Rock al Parque y un personaje esencial en la construcción de una política cultural que transformó la escena musical de la Bogotá y democratizó el acceso a la cultura. Al día siguiente, desde los Llanos Orientales llegará Ana Veydó, líder de la agrupación Cimarrón, que ha llevado el joropo por los cinco continentes y ha liderado cambios e innovaciones del rol de la mujer en la música llanera y de la puesta en escena de la música de su región.

El cierre del 8M será en la fecha de aniversario del Centro Nacional de las Artes, con un conversatorio que tiene como invitada a Teresita Gómez, pianista emblemática y embajadora de la música colombiana en el mundo, quien charlará con la directora Xiomara Suescún en la sala de este centro cultural que fue bautizada el año pasado con el nombre de esta artista.

Además de los conversatorios y la obra teatral, para el 8M también se realizarán talleres de producción técnica y construcción de escenografía, en la Sala Fanny Mikey el 13 de marzo y en la Estación de la Sabana el 14 de marzo, correspondientemente, dirigidos a mujeres estudiantes, gestoras culturales, productoras y técnicas interesadas en desarrollar habilidades en planificación coordinación técnica en las artes escénicas.

La música en esta conmemoración vendrá del Caribe con una presentación el domingo 15 de marzo de Anónimas & Resilientes, voces del bullerengue, un colectivo de cantadoras mayores quienes han preservado el legado matriarcal de esta música en el Caribe cimarrón. Con dos álbumes nominados al Grammy Latino 2019 y 2025, el grupo ha reunido una docena de cantadoras con edades entre los 59 y los 106 años de edad.

Los conversatorios, el concierto y los talleres serán de entrada libre para el público, con inscripción previa, y la boletería de ‘La escena invertida’ podrá encontrarse en Tuboleta.

Por primera vez, el Centro Nacional de las Artes realizará el Encuentro Campesino, una celebración que se suma a los ya tradicionales espacios de este centro cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, que invitan a poblaciones de distintas regiones de Colombia a compartir sus costumbres, historia y cultura en el corazón de Bogotá.

El Encuentro Campesino se llevará a cabo del 20 al 22 de febrero y reconocerá a las culturas campesinas como portadoras de saberes fundamentales para la vida y la memoria del país. Durante estos días, el CNA activará sus espacios –Teatro Colón, Sala Delia Zapata, Sala Fanny Mikey y plazoleta– como lugares simbólicos de convite y encuentro popular, con prácticas artísticas, radio comunitaria, una muestra audiovisual y la acostumbrada Feria de Emprendimientos y Economías Populares en la plazoleta (ubicada en la calle 11 con carrera 5).

Adicionalmente, por primera vez, el Teatro Colón se transformará en una verbena campesina, con presentaciones artísticas y la instalación de un mercado llamado La Placita del Aula Viva, un espacio para el consumo de productos campesinos y el intercambio de historias entre los habitantes de la ruralidad y quienes habitan las ciudades, donde el público podrá circular libremente.

Entre el 6 y el 13 de diciembre, danza, poesía en lengua de señas y exploración musical conforman la agenda de actividades que apuestan por la inclusión en el Centro Nacional de las Artes para conmemorar el Día de la Discapacidad.
Se harán dos funciones de la obra Focaris de ConCuerpos, compañía artística referente de la danza inclusiva en Colombia y la región, y talleres de danza, video poesía, música y comunicación corporal.

Por primera vez se presentará en la Sala Fanny Mikey Focaris, una obra de danza contemporánea de ConCuerpos, que busca que personas sordas y ciegas puedan disfrutar de la obra en igualdad de condiciones, rompiendo con el modelo tradicional de adaptar obras para públicos normativos.

Este ambicioso proyecto de creación escénica, que investiga el fuego como símbolo de encuentro, protección y transformación, invita a cada intérprete —con o sin discapacidad— a expresar su propio “fuego interno” en una puesta en escena profundamente humana.
La función de Focaris del sábado 6 de diciembre a las 7:30 p.m tendrá audiodescripción y la del domingo 7 a las 3:00 p.m. será distendida, es decir, estará adaptada para ser más amable con volumen y luces más tenues, y que permite entrar y salir libremente a los espectadores para habilitar espacios de descanso sensorial.

Para personas con discapacidad visual se realizará el Danza desde el sentir el sábado 13 de diciembre, dirigido por la tallerista y artista multidisciplinar, María Alejandra López y para población sorda se realizará el Taller de vídeo poesía en Lengua de Señas Colombiana el viernes 12 de diciembre, dirigido por Joaquín José Hernández, director del Festival Colombiano de Cine Sordo Fecisor. También se realizará el taller ‘Música y ritmo, comunicación corporal’ para personas neurodivergentes y sus familias, realizado por . Jennyfer Garzón, cantante y compositora colombiana.

El Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes es un lugar de diálogo, participación y encuentro de personas, grupos y poblaciones diversas. A lo largo del año alberga todo tipo de expresiones artísticas, actividades y funciones para personas con discapacidad, que, además tienen un 30% de descuento en la boletería de eventos del CNA.

Focaris es una coproducción con el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y apoyado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes a través del Programa Nacional de Estímulos 2025 – Beca del Centro Nacional de las Artes CNA: Beca para la creación y circulación de una obra de artes vivas realizada con personas con discapacidad.

En el Día Internacional de la Eliminación de las Violencias contra las Mujeres (25N), el Centro Nacional de las Artes del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes presenta la versión digital de ¡Abriendo el telón!, la guía para la prevención, atención, reparación y garantías de no repetición de violencias de género y por prejuicio en el sector de las artes escénicas y vivas, a través de una herramienta interactiva.

Esta herramienta brinda lineamientos para identificar, abordar y actuar frente a situaciones de violencia en espacios artísticos, tanto en procesos de creación como en ámbitos laborales, académicos y comunitarios; invita a construir entornos donde se respeten los derechos, la dignidad y la diversidad de todas las personas vinculadas a las artes escénicas y vivas, y ofrece líneas de atención, herramientas pedagógicas, medidas de prevención, aspectos legales, ejemplos de buenas prácticas y pautas para garantizar la no repetición.